25/10/2025 17:38
25/10/2025 17:38
25/10/2025 17:37
25/10/2025 17:37
25/10/2025 17:37
25/10/2025 17:36
25/10/2025 17:30
25/10/2025 17:30
25/10/2025 17:30
25/10/2025 17:30
Buenos Aires » Infobae
Fecha: 25/10/2025 06:47
“Amarillo-rojo-azul” (1925) de Wassily Kandinsky es una de las casi 200 obras de arte y objetos que se exhiben en “Kandinsky. La música de los colores” En 1896, Wassily Kandinsky, de 30 años, asistió a una representación de la ópera Lohengrin de Richard Wagner en el Teatro Bolshoi de Moscú. “Vi en mi mente todos mis colores; se asomaban ante mi mente. Líneas salvajes, casi locas, aparecieron ante mí”, dijo el artista al recordar ese primer encuentro con la ópera romántica de Wagner. “Me quedó claro que la pintura podía desarrollar los mismos poderes que la música”. Ese mismo año, se mudó de Rusia a Múnich para estudiar pintura. El encuentro transformador de Kandinsky con Lohengrin se examina en la galería inaugural de Kandinsky. La música de los colores, exposición que se exhibe hasta el 1 de febrero de 2026 en el Museo de la Música de la Filarmónica de París, frente al Grand Palais. Aproximadamente tres cuartas partes de las casi 200 obras y objetos provienen del Centro Pompidou de París, que alberga una de las mayores colecciones de Kandinsky y coorganiza la exposición. Kandinsky. The Music of Colors El edificio de cristal y metal del Pompidou está siendo renovado, con finalización prevista para 2030. La música de los colores es una de las exposiciones y eventos en que el Pompidou participa durante este periodo. También es la última entrega de la serie de exposiciones del Museo de la Música dedicadas a artistas visuales como Paul Klee, Marc Chagall, Pablo Picasso y Jean-Michel Basquiat. Kandinsky y su segunda esposa, Nina, fotografiados por Lotte Jacobi en 1931 “Creo que la experiencia del Museo de la Música reside en su capacidad de reflexionar sobre los vínculos entre la música y las Bellas Artes; no es solo una cuestión de biografía o de paralelismos sensoriales”, señaló Marie-Pauline Martin, directora del museo, quien organizó la muestra junto con Angela Lampe, curadora de arte moderno del Pompidou. “Intentamos no repetir la misma receta en cada proyecto”, añadió Martin, explicando que la investigación siempre es su punto de partida para crear una “identidad audiovisual que se ajuste al tema”. Un recurso esencial para La música de los colores fue el archivo de Kandinsky en el Pompidou, donado por la segunda esposa del artista, Nina, que incluye 95 discos de goma laca que poseían la pareja. Kandinsky elegía a menudo títulos musicales para sus pinturas, incluso para “Improvisación 3” (1909), que su segunda esposa, Nina, donó más tarde al Centro Pompidou Martin admitió que montar la exposición sobre Kandinsky requirió un enfoque mucho más intelectual, sensible y etéreo que la exposición de Basquiat, que sumergió a los visitantes en el a menudo abrasivo mundo sonoro del centro de Nueva York a finales de los años setenta y principios de los ochenta. En colaboración con el pianista Mikhail Rudy, asesor musical de La música de los colores, Martin y Lampe crearon una banda sonora con música importante para Kandinsky, citas del artista y un diseño de sonido original. Los visitantes usan auriculares geolocalizados que cambian automáticamente de pista —por ejemplo, del preludio de Lohengrin a un canto tradicional ortodoxo ruso— mientras recorren una sala tras otra. Doce secciones temáticas revelan hasta qué punto la música influyó en la teoría y la práctica de Kandinsky a lo largo de toda su carrera. Muchas surgieron antes de la Primera Guerra Mundial, cuando formó parte del círculo de artistas del Jinete Azul (Der Blaue Reiter), con sede en Múnich, y en el período de entreguerras, cuando impartió clases en la Bauhaus, una influyente escuela de arte alemana. Tanto sus experimentos cromáticos cada vez más audaces sobre lienzo como sus intentos gráficos de representar partituras musicales demuestran que su pensamiento sobre la relación entre el sonido y la imagen podía ser espiritual o analítico. Kandinsky tocando el violonchelo mientras su amigo toca el piano, hacia 1886 Pocas de las obras expuestas ilustran piezas musicales específicas. Una de ellas es Impresión III (Concierto) (1911), cedida por el museo Lenbachhaus de Múnich. Kandinsky la pintó como respuesta sinestésica a un concierto de Arnold Schoenberg al que asistió en Múnich. El descubrimiento de las composiciones atonales de Schoenberg supuso un impacto estético generativo, comparable a su anterior epifanía wagneriana. Esa noche, el programa incluía el influyente Cuarteto de cuerda n.º 2, Op. 10 (1907-1908) de Schoenberg, cuyo primer movimiento suena para los visitantes del museo al acercarse a la pintura: un derroche de color formalmente dispuesto según principios musicales como variaciones de ritmo y altura. “Los destinos particulares, los caminos autónomos, la vida misma de las voces individuales en sus composiciones son precisamente lo que he estado buscando en la forma pictórica”, escribió Kandinsky a Schoenberg tras ese concierto. Una “maqueta” o modelo para el “Salón de música” de Kandinsky Ambos se hicieron amigos. En un ensayo para el Almanaque del Jinete Azul (1912), también presente en la exposición, Schoenberg consideró a Kandinsky entre los pocos artistas que “pintan cuadros en los que el objeto externo es apenas más que un estímulo para improvisar en color y forma”. Veinte discos del archivo de Kandinsky expuestos atestiguan un gusto musical ecléctico: obras de Bach, Stravinsky, la Ópera de los Tres Centavos de Kurt Weill, Kol Nidrei y música de baile de los años veinte. También se exhibe una reconstrucción parcial de la puesta en escena de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky en Dessau (1928), la única ocasión en que Kandinsky dirigió y diseñó una producción musical. Kandinsky solía elegir títulos musicales —como “Improvisación”, “Fuga” y “Canción”— pero reservó el nombre Composición para diez de sus lienzos más ambiciosos. Lampe subrayó que era revelador que este fuera el nombre reservado para sus obras más importantes. La muestra reúne cerca de 200 piezas, en su mayoría del Centro Pompidou, y se exhibe en el Museo de la Música de París hasta 2026 La música de los colores concluye con las tres últimas de estas piezas: Composición 8 (1923), del Guggenheim de Nueva York; Composición 9 (1936), del Pompidou; y Composición 10 (1939), cedida por la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf. Lampe afirmó que esta agrupación final busca destacar cómo la música proporcionó a Kandinsky la base conceptual para llevar su obra más allá de la figuración. “Ese era su modelo intelectual: la música como arte abstracto por excelencia”, concluyó. Fuente: The New York Times [Fotos: Musée de la musique-Philharmonie de Paris]
Ver noticia original
Examedia © 2024
Desarrollado por