05/07/2025 11:21
05/07/2025 11:21
05/07/2025 11:21
05/07/2025 11:21
05/07/2025 11:21
05/07/2025 11:21
05/07/2025 11:20
05/07/2025 11:20
05/07/2025 11:20
05/07/2025 11:20
Buenos Aires » Infobae
Fecha: 05/07/2025 06:53
Una figura dogón, que perteneció a Nelson Rockefeller, se puede ver en el Ala Michael C. Rockefeller (Foto: Paula Lobo/Museo Metropolitano de Arte) A finales de la década de 1930,Nelson Rockefeller intentó despertar el interés del Museo Metropolitano de Arte por la exposición de artefactos precolombinos, que había comenzado a coleccionar tras unas vacaciones en México en 1933. El director del Met en aquel entonces, el egiptólogo Herbert Eustis Winlock, consideraba que el arte de las Américas tempranas no encajaba bien en el museo y, según Rockefeller, le preocupaba que pudiera competir con el formidable acervo de material del antiguo Egipto que el museo había reunido. Rockefeller, quien se convertiría en gobernador de Nueva York en 1959 y posteriormente vicepresidente de Estados Unidos, decidió crear su propio museo para albergar una colección personal que también incluía material de África y Oceanía. Es posible que se inspirara en su madre, Abby Aldrich Rockefeller, quien en una ocasión intentó que el Met se interesara en el coleccionismo de arte contemporáneo. Ella también fue rechazada y se convirtió en una de las fundadoras del Museo de Arte Moderno. Pero el apetito del Met por el arte “primitivo” y moderno, al principio quisquilloso, terminó siendo voraz, sobre todo porque el coloso cultural de la Quinta Avenida aspiraba a ser un museo “universal” con una visión sinóptica de la cultura visual del planeta. A finales de la década de 1960, el Met negociaba con Rockefeller la adquisición del contenido de su Museo de Arte Primitivo y, en 1982, inauguró el Ala Michael C. Rockefeller, que lleva el nombre del hijo de Nelson, quien desapareció en 1961 a los 23 años (y posteriormente fue declarado muerto) durante una expedición antropológica en Nueva Guinea. Una figura poderosa, circa 1880-1900, hecha de madera, hierro, resina, cerámica, fibra vegetal, tela y pigmento A finales del mes pasado, tras un cierre de cuatro años y un proyecto de renovación de 10 años y 70 millones de dólares, las obras de arte del Met sobre África, Oceanía y la América Antigua volvieron a exhibirse en un espacio completamente renovado de 3700 metros cuadrados en la cara sur de la primera planta del museo. Una pared inclinada de vidrio, cubierta durante mucho tiempo para limitar el daño de la luz a materiales sensibles, se reabrió con un sistema de sombreado, ofreciendo vistas a Central Park. Un espacio que antes era oscuro ahora es luminoso y abierto; el material que antes se conservaba en vitrinas se ha sacado al exterior; un nuevo techo, definido por arcos ligeramente curvados, se siente más alto y menos opresivo, y la iluminación ha mejorado notablemente. Y los objetos más queridos han vuelto a la vista. Desde una entrada, los visitantes son recibidos por la exuberante figura del sacerdote dogón con los brazos en alto, realizada en algún momento del siglo XIV, con madera preciosa, escasa en la árida región del Sahel, en lo que hoy es Malí. Cerca se encuentra una impresionante exhibición de Asmat bis poles, objetos funerarios tan exuberantes visualmente como el sacerdote dogón en su abrazo esquelético al cielo, pero con un propósito decididamente más siniestro. Eran recordatorios esenciales de una comprensión de la mortalidad en la que ninguna muerte era accidental ni natural, sino siempre causada por un enemigo y, por lo tanto, siempre necesitada de venganza. Más al fondo de las galerías se encuentra una poderosa figura kongo, con sus uñas erizadas, que protagonizó la exposición del Met de 2015-2016,Kongo: Poder y Majestad, que repasó 400 años de arte de uno de los reinos más poderosos de África. Y, suspendido sobre las galerías de Oceanía, se encuentra el apreciado techo ceremonial de la casa Kwoma, originalmente encargado a artesanos de Nueva Guinea en 1970 y reinstalado en una versión ligeramente más pequeña y editada con la colaboración de los descendientes de los creadores originales. Los visitantes del Ala Michael C. Rockefeller del Museo Metropolitano de Arte admiran los colores de los paneles emplumados creados por artistas wari de lo que hoy es Perú (Foto: Brigit Beyer/Museo Metropolitano de Arte) Bien protegidos de la luz se encuentran los impresionantes paneles de plumas azules y amarillas, elaborados por artistas Wari de lo que hoy es Perú, entre el 650 y el 1000 d. C. Incluso con poca luz, los colores son tan deslumbrantes como los de cualquier tela moderna producida con tintes sintéticos. Como una silueta cerca de las ventanas de las galerías oceánicas, se yergue un elegante cuenco para banquetes, casi espectral, elaborado por un artista matankol de las Islas del Almirantazgo, con sus asas intrincadamente talladas, realzadas por la luz que pasa directamente a través de sus cortes en espiral y su delicada filigrana. El ala Rockefeller tiene una superficie que rivaliza con la de otros museos, incluyendo el Museo Whitney de Arte Estadounidense en el centro de la ciudad, que cuenta con unos 4.600 metros cuadrados de espacio interior para exposiciones. El tamaño del ala renovada, diseñada por Kulapat Yantrasast de WHY Architecture, en colaboración con Beyer Blinder Belle Architects, es el mismo que el de la antigua, diseñada por Kevin Roche y John Dinkeloo. Sin embargo, el flujo es diferente, ya que la obra de Oceanía se intercala entre la colección africana y las obras de piedra y metal de la antigua América, que se exhiben cerca de las nuevas vitrinas. Antes de la renovación, los visitantes solían experimentar estas galerías como un espacio de paso, conectando la antigua Grecia y Roma por un lado con el arte moderno por el otro. Las galerías parecían desordenadas y anticuadas, un poco como un amplio pasillo con canoas dispersas y diversas figuras fetichistas, no un lugar de descubrimiento y contemplación. Un cuenco para banquetes de finales del siglo XIX y principios del XX Uno podría haber concluido, a juzgar por la arquitectura y la exhibición desalentadoras, que Winlock tenía razón: este arte no estaba auténticamente conectado con el resto del Met. El arte del antiguo Egipto, tan querido por Winlock, aunque africano, estaba intelectualmente entrelazado con la narrativa más amplia del arte occidental, como punto de origen e inspiración. Y si bien los artistas modernos habían tomado prestadas y expoliado libremente ideas visuales de la obra de artistas indígenas, lo hicieron sin ningún contacto o compromiso genuino con las culturas que lo produjeron. Era “primitivo” y hablaba al inconsciente, al mundo de los sueños, portador de ideas tomadas de Freud y Jung, completamente transfiguradas de sus propósitos ceremoniales, religiosos o de culto originales. El estatus de este material era incierto entonces y sigue sin resolverse hoy. ¿Es arte en el sentido occidental? ¿Puede sobrevivir algo de su significado original tras ser arrancado de su contexto cultural y exhibido bajo el mismo techo que Tiziano, Tintoretto y Picasso? Cuando Rockefeller celebró la exhibición de obras de su colección en el Met en 1969, lo hizo con un lenguaje formalista: «Mi interés es puramente estético», dijo. «... Los objetos en sí mismos trascienden toda explicación». Eso pudo haber funcionado en 1969, cuando muchos visitantes aún se resistían al argumento de que estas obras no eran arte en absoluto y debían exhibirse en museos de antropología o historia natural. La donación de Rockefeller al Met pareció resolver esa cuestión y, aún más, cambió las prioridades institucionales de los museos de todo el mundo“. Postes funerarios Asmat en el Met (Foto: Bruce Schwarz/Museo Metropolitano de Arte) Una vez que Rockefeller dio ese gran paso, muchos otros museos siguieron su ejemplo”, afirma Alisa LaGamma, curadora de arte africano del Mety quien supervisó la renovación del ala Rockefeller. La cultura visual que no formaba parte de la tradición europea “finalmente se consideraba parte de la historia del arte”. Pero hoy en día es mucho más difícil argumentar que esta obra debería estar en un museo de arte simplemente por su atractivo estético. Apreciar estas obras únicamente como objetos visuales exacerba la violencia intelectual de la descontextualización. ElMetha respondido a esto escribiendo extensas etiquetas de objetos y textos murales, cuidadosamente analizados pero firmes incluso cuando temas como la caza de talentos pueden incomodar a algunos visitantes. El activista congoleño Mwazulu Diyabanza acaparó titulares en todo el mundo cuando, hace cinco años este mes, él y otros manifestantes robaron una reliquia funeraria africana del siglo XIX del museo Quai Branly de París, gritando: “¡Nos la llevamos a casa!”. El objeto fue recuperado, y Diyabanza fue arrestado y multado con 1000 euros (unos 1100 dólares). Continuó con protestas similares en museos de Marsella(Francia) y de los Países Bajos. Un rostro de jadeíta del 900 al 400 a. C. Estos actos fueron parte de un movimiento más amplio para “descolonizar” las instituciones culturales, que se resume concisamente en la introducción de Bhakti Shringarpure a un libro de 2022 de Shimrit Lee, Descolonizar los museos: “Desfinanciar el museo, hacer huelga contra el museo, boicotear el museo, abolir el museo”. El movimiento de descolonización ha lanzado una crítica mucho más radical a exposiciones como la que se exhibe en el Met. Durante décadas, se ha debatido cómo los museos occidentales adquirieron objetos de las regiones incluidas en el ala Rockefeller, con especial controversia sobre obras que simplemente fueron saqueadas, sustraídas en guerras enormemente asimétricas o en luchas por el poder, o compradas en transacciones desequilibradas o coercitivas. Los célebres Bronces de Benín, algunos de los vaciados de metal más sofisticados y complejos jamás realizados, son particularmente notorios. Muchos de ellos fueron saqueados en 1897 por los británicos de un reino que ahora pertenece a Nigeria, terminando en instituciones occidentales como el Museo Británico y a menudo circulando en el mercado internacional del arte. En 2021, el Met inició la devolución a Nigeria de tres bronces: dos placas de latón de Benín del siglo XVI y una cabeza de latón del siglo XIV procedente de Ile-Ife, que un coleccionista había puesto a la venta al museo. La repatriación de obras originarias de Benín se ha convertido en una forma problemática, pero simbólicamente significativa, de poner a prueba el compromiso de los museos modernos de honrar un sentido de propiedad que trasciende el mero título legal. El Met abre una deslumbrante ala de arte no europeo Pero la repatriación se trata de si un museo tiene la titularidad legal y ética de una obra; la descolonización se trata de si lugares como el ala Rockefeller deberían existir. Y el Met ha reabierto sus colecciones indígenas en un momento crucial en la historia de la supremacía blanca y la descolonización: ambas ideas son vigentes y vigorosas, y los defensores de la primera están a la ofensiva en la nación más poderosa del planeta. El Met no puede desactivar este conflicto y, sensatamente, ha encontrado un buen punto medio entre instituciones como el Foro Humboldt de Berlín, que se entrega a una autoflagelación insoportable al exhibir obras recopiladas durante la época del colonialismo alemán, y museos como el que dirigía Winlock, exdirector del Met, que no reconocía el legado artístico de continentes ajenos al ámbito de la cultura europea. Un museo universal no puede desuniversalizarse sin una destrucción fundamental de su identidad, traicionar a su público y renunciar a su deber de preservar y explicar el material que ha recopilado. Lo único que puede hacer es presentar, con el ejemplo, un argumento sólido a favor de la validez del propósito universal del museo. Y el Met lo ha hecho brillantemente con esta nueva exposición, que facilita la observación, la comprensión y el amor por estas obras. Si crees en valores interculturales o en el cosmopolitismo, ver al otro, querer conocerlo y amarlo lo mejor posible son obligaciones humanas fundamentales. Fuente: The Washington Post
Ver noticia original
 300 x 300 px.gif)
Examedia © 2024
Desarrollado por