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Buenos Aires » Infobae
Fecha: 04/05/2025 06:51
El cierre por luto de los espacios público tras la muerte de papa Francisco generó una altísima concentración de aperturas de muestras en espacios públicos de la Ciudad de Buenos Aires. Fotografía, archivo, pintura, escultura y más se presentaron en el Bellas Artes, el Moderno, la Casa del Bicentenario, el Decorativo, el Palacio Libertad, el Histórico, el CC Recolelta y el CC Paco Urondo. Un recorrido por cada una de las puestas. Porter-Camnitzer. Los años del New York Graphic Workshop, en el Museo de Bellas Artes A través de piezas gráficas, instalaciones y documentos, la exhibición curada por Silvia Dolinko revisa los aportes de ambos artistas desde el New York Graphic Workshop (NYGW), colectivo que fundaron junto con el venezolano José Guillermo Castillo en 1964. Porter-Camnitzer. Los años del New York Graphic Workshop, en el Museo de Bellas Artes (MNBA / Matías Iesari) La muestra combina reconstrucciones de instalaciones históricas de 1969 con núcleos que contextualizan la participación de Liliana Porter (Buenos Aires, 1941) y Luis Camnitzer (Lübeck, Alemania, 1937) en el circuito artístico de la época. El New York Graphic Workshop, que operó hasta 1970, representó un punto de inflexión para la concepción de la gráfica como medio en expansión. Desde este taller, sus miembros replantearon la noción del objeto artístico y exploraron formatos como estampas experimentales y exposiciones enviadas por correo. Entre las obras destacadas que se exhiben se cuentan los emblemáticos grabados de Porter y piezas de su serie “Arrugas”. En esta, la artista no solo imprime hojas previamente abolladas, sino que invita al espectador a abollar papeles como parte de una experiencia interactiva. Además, se reconstruyen instalaciones icónicas como “Sombras” y la intervención en clave lúdica de esculturas en la planta baja y primer piso del museo. Además, se reconstruyen instalaciones icónicas como “Sombras” (MNBA / Matías Iesari) Por su parte, Camnitzer presenta, por primera vez en Buenos Aires, su obra “Living comedor”, una instalación en la que palabras asociadas a objetos domésticos se distribuyen en el piso y las paredes, proponiendo al visitante reconstruir un espacio imaginado. También figura “Masacre de Puerto Montt”, creada tras un trágico episodio en Chile de 1969 donde campesinos fueron asesinados por carabineros. Este trabajo, compuesto por palabras y líneas de puntos, denuncia el acontecimiento de manera profundamente conceptual. La muestra incluye también piezas colaborativas del NYGW, documentos inéditos y el Manifiesto del colectivo de 1966. Estas obras dan cuenta del espíritu experimental y la propuesta colectiva que marcaron este proyecto, representando una reflexión sobre los elementos políticos, poéticos y sociales del arte gráfico. La muestra combina reconstrucciones de instalaciones históricas de 1969 (MNBA / Matías Iesari) Entre los añadidos figura un análisis más profundo de su intervención en la influyente exposición “Experiencias 69” del Instituto Torcuato Di Tella, así como estampas realizadas en colaboración con artistas como Marta Minujín, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega. *“Porter-Camnitzer. Los años del New York Graphic Workshop” hasta el 31 de agosto, en el primer piso del MNBA, Av. del Libertador 1473. De martes a viernes, de 11 a 19:30, y sábados y domingos, de 10 a 19:30. Entrada gratuita. ------- Jorge Miño y Valentina Quintero, en el Museo Moderno La exposición La cuarta pared de Jorge Miño (Corrientes, 1973), que se emplaza en el pasillo central del primer piso, presenta una selección de obras producidas entre 2018 y 2024 que redefinen los límites de la fotografía contemporánea. "La cuarta pared" de Jorge Miño presenta una selección de obras producidas entre 2018 y 2024 (MAMBA / Josefina Tommasi) Miño utiliza la arquitectura como escenario para construir imágenes que desafían la percepción del espectador con composiciones que se caracterizan por ángulos imposibles, volúmenes que rompen con la perspectiva tradicional y geometrías dinámicas que invitan al movimiento. El trabajo de Miño se sitúa en un espacio de tensión entre lo real y lo ficticio, lo concreto y lo mental, generando una experiencia inmersiva para el espectador. Según explicó el propio artista, “en los trabajos que se presentan en esta exposición se percibe una situación que está por suceder, algo a punto de ser develado. No se ve la figura humana, sin embargo, el protagonista o cómplice para completar la relación con la obra, es el espectador”. Miño utiliza la arquitectura como escenario para construir imágenes que desafían la percepción del espectador (MAMBA / Josefina Tommasi) La muestra también establece un diálogo con la abstracción geométrica presente en la colección del Museo, resignificando el legado del arte moderno desde una perspectiva contemporánea. El sábado 24 de mayo, a las 17 h, con entrada libre, se llevará a cabo en el museo una entrevista pública a Jorge Miño por Fernando García, curador de Programas Públicos del Museo Moderno. Por otro lado, Un día en la vida de Valentina Quintero (Mendoza, 1997) es la primera muestra institucional en la Ciudad de esta joven artista, también conocida como Valentine, quien además de artista visual es performer y cantante. "Un día en la vida" de Valentina Quintero es la primera muestra institucional en la Ciudad (MAMBA/ Lola Vázquez Aparici) Su obra se centra en una serie de dibujos de gran escala realizados sobre papel negro, donde plasma las emociones y vivencias que emergen de su participación en la vida nocturna, la militancia y los entornos afectivos. Según explicó la artista, “Un día en la vida es el traslado de mi memoria como performer y lo colectivo en entornos de mi vida como la fiesta, la militancia, los amores, a papeles gigantes”. El estilo de Quintero se caracteriza por un ritmo de producción intenso e intuitivo, que dota a cada obra de una energía vibrante y dinámica. Su técnica, que evoca el muralismo por su monumentalidad, se reinventa con una estética urbana que combina contrastes marcados, deseos compartidos y una narrativa coreográfica en constante movimiento. Su obra se centra en una serie de dibujos de gran escala realizados sobre papel negro (MAMBA/ Lola Vázquez Aparici) Además de las piezas creadas específicamente para esta muestra, la exposición incluye trabajos anteriores que reflejan la continuidad de su lenguaje artístico, en el que lo íntimo, lo político y lo visual se entrelazan. *Las muestras se presentan en el Museo Moderno, Av. San Juan 350 (San Telmo). De lunes, miércoles, jueves y viernes de 11.00 a 19.00 h; sábados, domingos y feriados de 11.00 a 20.00 h. (Martes cerrado). Miércoles: entrada gratuita para público general. Entrada general: Extranjeros, $10.000; Extranjeros Mercosur, $5.000; Residentes, $2.500. ------- Laura Códega y Josefina Labourt, en el CC Recoleta Un perfume de amor, sangre y nervios, marca la primera exposición institucional de la artista Laura Códega (Campana, Buenos Aires, 1977), quien despliega un lenguaje visual que atraviesa múltiples disciplinas como la pintura, el videoarte, la escultura, el grabado, la música y la escritura. Un perfume de amor, sangre y nervios, marca la primera exposición institucional de la artista Laura Códega (CC Recoleta) Curada por Carla Barbero, la expo presenta una selección de 34 obras realizadas entre 2010 y 2025, incluyendo nuevas pinturas de banana sobre lienzo creadas para esta ocasión, tal como la pieza protagónica Un río sin ribera. Con una marcada impronta material, su obra ofrece una lectura crítica de narrativas históricas, prestando especial atención a tradiciones populares y relatos periféricos olvidados. En esta oportunidad, la artista revisita imaginarios relegados, entre ellos los paganos y los antimodernos, para desafiar formas hegemónicas de representación. Con una marcada impronta material, su obra ofrece una lectura crítica de narrativas históricas, prestando especial atención a tradiciones populares y relatos periféricos olvidados (CC Recoleta) La exposición, además, propone un diálogo con el acervo histórico del arte argentino. Incluye una serie de grabados de Abraham Vigo (Montevideo, 1893 - Buenos Aires, 1957) y Adolfo Bellocq (Buenos Aires, 1899 - 1972), ambos integrantes del grupo “Artistas del Pueblo”, colectivo activo en las primeras décadas del siglo XX que se manifestó en contra de los cánones del arte oficial. En paralelo se presenta La vigilia de los harapos de Josefina Labourt (Buenos Aires, 1985) con curaduría de Javier Villa, en la que se reúne una selección de obras realizadas entre 2017 y el presente, donde se exploran la escultura, el relieve, la pintura y el collage. "La vigilia de los harapos" de Josefina Labourt reúne una selección de obras realizadas entre 2017 y el presente (CC Recoleta) Labourt utiliza materiales diversos como resinas, gasas, toallas, cáscaras de huevo y cartapesta para construir representaciones de cuerpos femeninos que remiten a la vejez, la decadencia y la deformidad. La artista aborda el choque entre la cruda materialidad del cuerpo real y su representación, dotando sus creaciones de una teatralidad brillante y provocadora. Del mismo modo que la muestra de Códega, esta exposición establece un diálogo intergeneracional con el legado del arte argentino. En este caso, Labourt presenta una conversación en sala con las esculturas de Norberto Gómez (Buenos Aires, 1941 - 2021), figura clave en la representación de los cuerpos como vehículo para explorar dramas sociales. Labourt utiliza materiales diversos como resinas, gasas, toallas, cáscaras de huevo y cartapesta para construir representaciones de cuerpos femeninos que remiten a la vejez, la decadencia y la deformidad (CC Recoleta) Gómez y Labourt comparten fascinación por materiales como la resina y su carácter viscoso. No obstante, mientras Labourt se centra en pieles y máscaras, Gómez orienta su obra hacia una exploración más interna, destacando la carne, vísceras y huesos. *“Un perfume de amor, sangre y nervios” y “La vigilia de los harapos”, en el Centro Cultural Recoleta, Junín 1930. De martes a viernes de 12 a 21 horas, y los sábados, domingos y feriados de 11 a 21 horas, con entrada libre y gratuita para quienes residan en el país. ------- Versalles, de Nahuel Vecino, en el Museo Nacional de Arte Decorativo La muestra de Nahuel Vecino (Buenos Aires, 1977) reúne una selección de obras recientes del artista argentino, incluyendo óleos, pasteles, esculturas, instalaciones y trabajos en papel, en un diálogo entre la tradición pictórica y el presente. La muestra de Nahuel Vecino (Buenos Aires, 1977) reúne una selección de obras recientes del artista argentino, incluyendo óleos, pasteles, esculturas, instalaciones y trabajos en papel (Grupo Mass) La expo, curada por Patricio Orellana, busca explorar la relación entre el arte, el poder y el espacio del museo, a través de lo que el curador describe como un “rococó sudamericano” que combina humor, crítica y belleza. El título de la exposición alude tanto al esplendor de la pintura francesa de los siglos XVIII y XIX como a la capacidad de Vecino para conectar épocas y lugares distantes con la contemporaneidad de Buenos Aires. Este juego de referencias incluye no solo el palacio francés prerrevolucionario, sino también el barrio porteño que lleva el mismo nombre. En ese sentido, la obra de Vecino sintetiza influencias de la historia del arte universal, desde Francisco de Goya hasta Giorgio De Chirico, y las reinterpreta con un enfoque personal que mezcla lo sublime con lo cotidiano. La expo busca explorar la relación entre el arte, el poder y el espacio del museo (Grupo Mass) La muestra se organiza en cuatro núcleos temáticos que dialogan con los espacios del Decorativo: el primero, ubicado en el salón principal, se centra en la idea de “Palacio” y presenta óleos recientes que evocan la tradición de los salones de arte franceses, como el Salón de los Rechazados. En el gran comedor, el segundo, exhibe obras en pastel con colores saturados y personajes que combinan elementos mitológicos y contemporáneos. La tercera sección incluye una instalación tridimensional que traslada algunos de los personajes de Vecino al espacio físico, mientras que el Salón de Baile alberga trabajos en papel, como sanguinas inspiradas en los Caprichos de Goya y temples al huevo que evocan azulejos portugueses. En esta última sala, las obras se disponen a diferentes alturas y se reflejan en los espejos, creando un montaje dinámico que acompaña el movimiento de los personajes. La muestra se organiza en cuatro núcleos temáticos que dialogan con los espacios del Decorativo (Grupo Mass) Según explicó Orellana, la obra de Vecino “no solo rinde homenaje a la tradición pictórica, sino que también la actualiza y la cuestiona”. En sus palabras, el artista crea “una carta de amor a la pintura” que, al mismo tiempo, reflexiona sobre su relevancia en el presente. Las naturalezas muertas, los desastres de la guerra, las alegorías metafísicas y los héroes suburbanos que aparecen en sus obras son ejemplos de cómo combina lo histórico y lo contemporáneo, lo sublime y lo humorístico, en un estilo que él mismo define como una conversación abierta con la tradición. *“Versalles”, de Nahuel Vecino, en el Museo Nacional de Arte Decorativo, Av. del Libertador 1902, de miércoles a domingo de 13 a 19 h, hasta fines de junio. Entrada gratuita. ------- Tiempo de multitudes, en el Museo Histórico Nacional “Tiempo de Multitudes” abarca el período comprendido entre 1900 y 1955, un momento clave en la transformación social y política del país La historia política de la primera mitad del siglo XX en Argentina es el eje central de una nueva exposición permanente en el Museo Histórico Nacional. “Tiempo de Multitudes” abarca el período comprendido entre 1900 y 1955, un momento clave en la transformación social y política del país, a través de objetos históricos, imágenes y documentos que reflejan los cambios y conflictos de una época marcada por la democratización y las tensiones sociales. De acuerdo con el director del museo, Gabriel Di Meglio, esta es la primera vez que la exhibición permanente del museo presenta un guion cronológico que aborda de manera integral la vida política argentina de la primera mitad del siglo XX. Es la primera vez que la exhibición permanente del museo presenta un guion cronológico que integra la vida política argentina de la primera mitad del siglo XX La muestra está organizada en cuatro ejes temporales y reúne una amplia variedad de piezas históricas provenientes de diferentes regiones del país. Entre los objetos destacados se encuentran bandas presidenciales, el primer bombo peronista, una urna utilizada en las elecciones nacionales de 1916 en Santiago del Estero, un uniforme del general José F. Uriburu, vestimenta de figuras emblemáticas como Eva Duarte y Cecilia Grierson, los anteojos de Ricardo Balbín, y proyectiles utilizados durante el bombardeo a Plaza de Mayo en 1955. También se exhiben fichas de pago utilizadas en ingenios, minas y obrajes, así como el manuscrito de Adán Buenosayres de Leopoldo Marechal. Además de los objetos, la exposición incluye afiches políticos, fotografías y retratos de figuras clave de la política argentina de la época, como Julio A. Roca, José Figueroa Alcorta, Roque Sáenz Peña, Juan B. Justo, Hipólito Yrigoyen, Marcelo T. de Alvear, Agustín P. Justo, Eva Duarte y Juan Domingo Perón. Estas piezas permiten a los visitantes explorar los cambios sociales y políticos que marcaron el período, desde el crecimiento económico y tecnológico de principios del siglo XX hasta los conflictos y transformaciones que dieron lugar a una mayor participación de las masas en la vida política. Además de los objetos, la exposición incluye afiches políticos, fotografías y retratos de figuras clave de la política argentina de la época La exposición busca ofrecer una mirada profunda y detallada sobre un período crucial en la historia argentina, en el que el país experimentó importantes cambios en su estructura social y política. Durante esos años, el sistema político, inicialmente estable pero excluyente, enfrentó tensiones derivadas de las desigualdades sociales y regionales, lo que dio lugar a procesos de democratización y a reacciones en su contra. En este contexto, actores como los partidos políticos modernos, los sindicatos, las fuerzas armadas y la Iglesia desempeñaron un papel central junto al Estado. *“Tiempo de multitudes”, en el Museo Histórico Nacional, Defensa 1600 (San Telmo), de miércoles a domingos y feriados de 11 a 19h. La entrada es libre y gratuita. ------- “Viaje iniciático al impenetrable Chaco salteño”, en el Palacio Libertad (ex CCK) La muestra explora la obra del Grupo Tartagal, un colectivo de artistas que, en 1941, emprendió una expedición al Chaco salteño con el objetivo de descubrir y documentar la cultura ancestral de las comunidades originarias de la región. “Figura”, de Gertrudis Chale El proyecto tuvo su origen cuando Carybé (Lanús, Buenos Aires, 1911-Salvador de Bahía, Brasil, 1997), uno de los integrantes del grupo, fue contratado por una petrolera para realizar ilustraciones destinadas a calendarios institucionales. Este encargo se convirtió en el punto de partida para que, junto con Raúl Brié (Buenos Aires, 1917 - Madrid, España, 1983), Gertrudis Chale (Viena, Austria, 1898 - La Rioja, 1954) y Luis Preti (Buenos Aires, 1912 - Salta, 1993), decidieran trasladarse al norte de Salta y adentrarse en el Chaco salteño, un territorio habitado por comunidades originarias como los wichis, chorotes y guaraníes. Allí, los cuatro artistas, que compartían estudio en Buenos Aires, vieron en esta expedición una oportunidad para conectar con las raíces culturales de la región, alejándose de las influencias artísticas europeas predominantes en la época. El recorrido comenzó en Chicona, donde los artistas se instalaron inicialmente antes de avanzar hacia el norte. En su travesía, se sumergieron en el monte y el río, explorando las tradiciones, la medicina y las creencias de las comunidades locales. Este contacto directo con las culturas originarias marcó profundamente su obra, transformando lo que inicialmente era un encargo comercial en una experiencia artística y personal trascendental. “Mataco”, de Carybé La muestra reúne dibujos, pinturas, ilustraciones y material de archivo que reflejan la experiencia de este viaje, considerado un hito en la trayectoria de los artistas involucrados. La exposición destaca cómo este viaje permitió al Grupo Tartagal descubrir elementos que luego se convertirían en pilares de sus creaciones individuales. A través de su interacción con las comunidades, los artistas lograron plasmar en sus obras la esencia de las técnicas ancestrales y los valores culturales de los pueblos originarios. Este acercamiento no solo influyó en su producción artística, sino que también sentó las bases para la revalorización contemporánea de prácticas como el textil y la cerámica, consideradas hoy en día como expresiones fundamentales del patrimonio cultural. “El agua y el fuego”, témpera sobre papel de Luis Preti Coorganizada con BAC Arte Contemporáneo, la muestra no solo celebra el legado del Grupo Tartagal, sino que también invita a reflexionar sobre la importancia de preservar y reconocer las tradiciones de las comunidades originarias. A casi un siglo de aquella expedición, la obra de Carybé, Brié, Chale y Preti sigue siendo un testimonio vivo de la riqueza cultural del Chaco salteño y de la influencia que esta región tuvo en el desarrollo de su arte. *Viaje iniciático al impenetrable Chaco salteño puede visitarse en el Palacio Libertad, Sarmiento 151, de miércoles a domingos, de 14 a 20 h. Entrada gratuita. ------- Eternas. Rostros del mito, la Historia y la imaginación de Jorman, en la Casa Nacional del Bicentenario "Eternas", del colombiano residente en Buenos Aires Jorman(Casa del Bicentenario) La visión del artista Jorman (Colombia, 1994) sobre el universo femenino, destacando su emotividad, sensibilidad, belleza y fuerza, se refleja a través de 16 retratos al óleo. Los retratos de Jorman, quien reside en Argentina, no solo representan figuras femeninas, sino que funcionan como espejos que invitan al espectador a reflexionar sobre su propia identidad y emociones. Las obras combinan una técnica clásica con una perspectiva contemporánea, creando un equilibrio entre lo histórico y lo actual, sostuvo la curadora Cristina Santa Cruz, quien describe la colección como un “umbral entre el tiempo y el símbolo”, donde cada rostro interpela al observador con una intensidad única. La visión del artista sobre el universo femenino, destacando su emotividad, sensibilidad, belleza y fuerza, se refleja a través de 16 retratos al óleo (Casa del Bicentenario) La selección incluye piezas inéditas de mediano y gran formato, que evocan influencias de diversas corrientes artísticas, desde el Renacimiento y el Barroco hasta el Romanticismo del siglo XIX y el realismo mágico. Así, las pinturas dialogan con figuras icónicas de la historia del arte, como las madonnas de Leonardo da Vinci, las miradas andaluzas de Julio Romero de Torres y la frontalidad simbólica de Andy Warhol. *Eternas. Rostros del mito, la Historia y la imaginación de Jorman, en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985 (Recoleta), hasta el 15 de junio. De miércoles a domingos de 15 a 20 hs. Entrada libre y gratuita. ------- Una invitación al mundo de María Elena, en el Centro Cultural Paco Urondo "Una invitación al mundo de María Elena", en el Centro Cultural Paco Urondo La exposición ofrece una oportunidad única para explorar la vida y obra de una de las figuras más influyentes de la cultura argentina: María Elena Walsh (Ramos Mejía, Buenos Aires, 1930 - Buenos Aires, 2011). La expo biográfica se enmarca en el 95º aniversario del nacimiento de la artista y busca destacar su legado a través de una selección de materiales inéditos, resultado de una colaboración entre la Fundación María Elena Walsh - Sara Facio y el propio centro cultural. Este esfuerzo conjunto tiene como objetivo conectar el vasto legado de Walsh con el ámbito académico, permitiendo a los visitantes adentrarse en la trayectoria de una creadora que dejó una marca indeleble en la literatura, la música y las artes escénicas de Argentina. La expo biográfica se enmarca en el 95º aniversario del nacimiento de la artista y busca destacar su legado a través de una selección de materiales inéditos La curaduría, a cargo de Graciela García Romero y Silvia Mangialardi, busca resaltar cómo las palabras, melodías e historias de la artista continúan siendo un reflejo de la identidad cultural argentina. Este enfoque permite no solo celebrar su legado, sino también explorar su relevancia en el contexto contemporáneo. María Elena Walsh, reconocida como poeta, novelista, cantante, compositora y guionista de teatro, cine y televisión, es una figura central en la historia cultural del país. Su obra ha trascendido generaciones, convirtiéndose en un símbolo de creatividad y compromiso con la identidad nacional. Así, no solo celebra la vida de Walsh, sino que también fomentar un diálogo entre su legado y las nuevas generaciones. La inclusión de materiales inéditos, que nunca antes habían sido exhibidos, añade un valor especial a esta iniciativa, permitiendo a los visitantes descubrir aspectos desconocidos de la artista y profundizar en su universo creativo. La expo no solo celebra la vida de Walsh, sino que también fomentar un diálogo entre su legado y las nuevas generaciones Además, durante mayo se llevarán a cabo las jornadas “Palabras, imágenes y canciones en torno a María Elena Walsh”, los días jueves 29 y viernes 30 de mayo en el CCUPU. Estas jornadas son coorganizadas por el Instituto de Filología “Dr. Amado Alonso” de la Universidad de Buenos Aires y la Universidad de Le Mans (Francia), y cuentan con el auspicio de la Academia Argentina de Letras, la Pontificia Universidad del Salvador y la Fundación Walsh-Facio. *"Una invitación al mundo de María Elena", en el Centro Cultural Paco Urondo, 25 de Mayo 201 (Retiro). Lunes a viernes de 12 a 19 hs. Entrada gratuita.
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