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Buenos Aires » Infobae
Fecha: 03/12/2025 16:36
La venta récord del Retrato de Elisabeth Lederer de Gustav Klimt en Sotheby’s confirma el renovado interés por el arte antiguo en el mercado global (Foto: REUTERS/Eduardo Munoz) La semana pasada en Sotheby’s, en Nueva York, los rumores sobre una recuperación del mercado del arte parecieron confirmarse. Tras una guerra de ofertas de 20 minutos entre seis postores, el Retrato de Elisabeth Lederer (1914–1916) de Gustav Klimt se vendió por 236,4 millones de dólares, incluyendo comisiones, convirtiéndose en la segunda obra de arte más cara jamás vendida en subasta. Oliver Barker, el subastador vestido de esmoquin, apenas tuvo oportunidad de felicitar al comprador anónimo que pujaba por teléfono antes de que la sala estallara en aplausos. Si el mercado está saliendo ahora de su letargo, es gracias a un renovado interés por el arte antiguo. Crece la confianza en que el valor de los artistas históricos es más sólido que el generado por el auge del arte “ultracontemporáneo” que comenzó durante la pandemia de Covid-19 y se desvaneció un par de años después. Muchas obras de artistas jóvenes que entonces superaron ampliamente las expectativas en el mercado secundario, a veces vendiéndose por cifras de siete dígitos, desde entonces no han logrado revenderse en subasta. Así, lo nuevo está fuera de moda, y lo antiguo vuelve a ser cool. La venta principal de la feria de arte Frieze de Londres en octubre fue una discreta pintura de Gabriele Münter de 1909, vendida por Hauser & Wirth por cerca de 3 millones de dólares; en París, la Galería Gagosian dejó de lado la habitual regla de Art Basel de exhibir solo arte del siglo XX en adelante, mostrando una obra de Rubens del siglo XVII. (El precio de esta última no se reveló, pero quizá rondaba los 7,1 millones de dólares por los que se vendió la pintura en Sotheby’s en 2020). Galerías y ferias internacionales, como Frieze y Art Basel, apuestan por exhibir y vender piezas de artistas clásicos (Foto: REUTERS/Benoit Tessier) En Londres, una oleada de nuevas galerías está atendiendo esta demanda de obras antiguas. Mattias Vendelmans, un marchante especializado en finales del siglo XIX y principios del XX, abrió este año un espacio permanente en Bloomsbury. Afirma que sus clientes —incluido el filántropo y propietario de museo Christian Levett, quien recientemente compró una pintura de Dora Maar de 1945 en la galería— coleccionan por las razones correctas: “más basadas en el arte y no tanto en el retorno de la inversión a cinco años”. La mentalidad especulativa que ha llevado a los coleccionistas a pagar de más por obras de artistas jóvenes (con la esperanza de que sus carreras —y precios— despeguen pronto) no se aplica fácilmente al arte histórico. Vendelmans vendió recientemente un hipnótico retrato andrógino de la artista belga Alice Frey por solo 5.500 libras esterlinas (7.249 dólares). Los precios documentados de las pinturas de Maar en los últimos 10 años rara vez superaron los 20.000 dólares. Los coleccionistas de esta categoría pueden “construir algo maravilloso basado en la erudición —obras realmente importantes— por solo un par de miles de libras”, dice Vendelmans, y añade: “es una locura que no haya más gente coleccionando de esa manera”. El mercado del arte experimenta una recuperación impulsada por nuevas preferencias (Foto: REUTERS/Lam Yik) El asesor de arte radicado en Londres Daniel Malarkey ha notado un marcado aumento del interés por las obras antiguas. Cada vez más, atiende solicitudes de pinturas de nombres de principios del siglo XX como Gwen John y miembros del Grupo Bloomsbury. También está comprando pinturas de contemporáneos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, nacido en 1864, que considera infravalorados. “No quiero dar todos los nombres”, añade. Malarkey interpreta este cambio de gusto como una reacción contra la saturación actual de imágenes generadas digitalmente. En una época en la que se pueden crear imágenes bonitas con solo pulsar un botón, los coleccionistas buscan arte inconfundiblemente humano, con todas sus imperfecciones. “Hay un interés real por algo auténtico, donde puedes ver un pelo de caballo del pincel en la pintura, la craqueladura, el empaste”, dice. “La versión retocada, tipo FaceApp, del mundo no resulta sofisticada ni deseable”. Malarkey también trabaja con artistas vivos como Anna Calleja y Celia Paul, pero los considera contrapartes de esos nombres antiguos. Él y otros observan una creciente categoría de compradores que construyen colecciones que conectan a artistas vivos con sus antecedentes históricos. “Su trabajo no es tan pulido, brillante, colorido ni ultracontemporáneo en cuanto a superficie y estética”, afirma. Los coleccionistas valoran la autenticidad y la historia de las obras antiguas, alejándose de la especulación y la estética digitalizada (Foto: archivo REUTERS/Yves Herman) En Mayfair, algunas de las exposiciones más exitosas del último año en la mega-galería David Zwirner han sido de artistas contemporáneos con sensibilidad clásica, como Michaël Borremans y Victor Man. James Green, director sénior, da fe del aumento del coleccionismo cruzado entre categorías. En 2018, Zwirner organizó una exposición en Nueva York que reunía a artistas contemporáneos con obras de los últimos seis siglos de historia del arte. “Probablemente fue un poco adelantada a su tiempo respecto a lo que está ocurriendo ahora”, dice Green. Los museos, que programan con años de antelación y tienen sus propios mandatos históricos, no suelen seguir las tendencias del mercado. Sin embargo, algunas grandes instituciones están ampliando su enfoque para reflejar el creciente apetito por ver lo antiguo junto a lo nuevo. Tanto el Louvre de París, que en noviembre adquirió su primera obra de una artista contemporánea, Marlene Dumas, como la National Gallery de Londres, que en septiembre levantó su prohibición de exhibir obras pintadas antes de 1900, han señalado futuras incursiones para destacar las conexiones entre el arte del pasado y el presente. Interval, una nueva galería en el barrio de Clerkenwell, en Londres, dirigida por el dúo padre e hijo David y Jacob Gryn, ha construido su programa en torno a trazar líneas históricas del arte, mostrando artistas contemporáneos junto a una amplia gama de obras antiguas consignadas por otros marchantes. Recientemente, me cuenta el mayor de los Gryn, vendieron una pintura digital de 2025 de Petra Cortright y una página de manuscrito del siglo XV del Maestro del Antifonario de Budapest a la misma pareja, que hasta entonces solo había comprado arte contemporáneo. El arte con linaje histórico ofrece mayor estabilidad de valor frente a la volatilidad del mercado ultracontemporáneo (Foto: REUTERS/Eduardo Muñoz) Para el pintor contemporáneo Glenn Brown, detectar similitudes entre artistas contemporáneos e históricos es algo natural. Lo hace en su propia obra, que hace referencia a innumerables artistas; en su museo privado, The Brown Collection, donde cuelga sus pinturas en diálogo con esos artistas; y, más recientemente, en Frieze Masters, donde comisarió un stand para Gagosian usando el mismo enfoque. “No importa si es figurativo o abstracto, hecho en el siglo XVII o en la actualidad”, dice, “ese sentido de la composición se mantiene bastante constante”. A diferencia de muchos de los artistas cuyos mercados sufrieron con el auge ultracontemporáneo —como María Berrío, cuya pintura mixta con pedrería The Lovers 2, de 2015, se vendió en subasta por 9.930.000 dólares hongkoneses (1.276.000 dólares) en 2022, pero solo por 274.999 dólares menos de dos años después—, los que prosperan hoy tienden a formar parte de estas genealogías claramente visibles que se remontan siglos atrás y están bien documentadas en museos. Tales linajes no garantizan el mercado de un artista, pero sugieren una fuente de valor más estable que los colores típicamente brillantes de la obra ultracontemporánea. En Zwirner, Green se entusiasma con que los visitantes puedan ver una exposición de nuevas pinturas y, a la vuelta de la esquina, ir a la National Gallery para ver sus referentes históricos. Tampoco es algo negativo para los mercados de los artistas. Fuente: The Washington Post
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