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Buenos Aires » Infobae
Fecha: 04/03/2025 12:53
Captura del tráiler oficial de Robocop Nota anterior: La magia de los efectos prácticos: artesanos y fantasía ochentosa antes del CGI La década de los ochenta fue una época dorada para los efectos prácticos en el cine. Antes de que el CGI (Computer Generated Imagery) revolucionara la industria, el arte del maquillaje, las miniaturas y la animatrónica permitieron a los cineastas dar vida a sus mundos de terror, fantasía y ciencia ficción de manera tangible y memorable. Cada monstruo, criatura o transformación reflejaba la habilidad artesanal de los equipos detrás de cámaras, creando una conexión real entre los personajes y los espectadores. En este artículo, exploraremos cómo el ingenio y el talento de los artistas de efectos prácticos definieron esta década, centrándonos en las películas, técnicas y creadores que dejaron una huella imborrable. El impacto de lo tangible: los efectos prácticos como arte Lo que hacía únicos a los efectos prácticos era su textura, peso y realismo. Los monstruos no solo se veían reales, sino que también parecían ocupar el mismo espacio que los actores, interactuando directamente con ellos. Esta tangibilidad no solo intensificaba la experiencia del público, sino que también exigía una destreza única por parte de los creadores, quienes trabajaban con materiales como látex, silicona y sistemas hidráulicos. Frente al reto de crear criaturas y escenarios convincentes, los especialistas como Stan Winston, Rick Baker y Rob Bottin dedicaron horas interminables a perfeccionar cada detalle, logrando que sus obras fueran más que simples trucos visuales: eran auténticas obras de arte. Estas fueron las películas que se originaron a causa de la gelatina del espacio. Foto: Universal Pictures Íconos del terror: monstruos inolvidables de los ochenta En los años ochenta, el cine de terror vivió una época dorada gracias a la creación de monstruos que trascendieron la pantalla, dejando una huella imborrable en la cultura popular. En The Thing (1982), dirigida por John Carpenter, el diseño de la criatura alienígena fue un logro revolucionario de Rob Bottin, quien llevó los efectos prácticos al límite. Con el uso de látex, silicona y animatrónica, Bottin logró mutaciones grotescas y perturbadoras que no solo mostraban el horror físico, sino que también capturaban la esencia de la paranoia y la desconfianza entre los personajes, elementos clave de la narrativa. Cada transformación, cuidadosamente construida, sumergió al público en un espectáculo visceral que convirtió a The Thing en un pilar del género. Por otro lado, An American Werewolf in London (1981) destacó por su enfoque único en la metamorfosis del protagonista, una de las más impactantes de la historia del cine. Rick Baker, pionero en efectos de maquillaje, diseñó un proceso de transformación que mostraba con doloroso detalle el cambio de hombre a lobo, utilizando prótesis y animatrónica de manera innovadora. La escena, filmada sin cortes digitales, ofreció un realismo aterrador que le valió a Baker el primer Óscar a Mejor Maquillaje, inaugurando así una categoría que reconocería el arte detrás del horror. La Mosca (1986) - Dir. David Cronenberg Finalmente, The Fly (1986), dirigida por David Cronenberg, exploró el horror corporal en su máxima expresión con la trágica transformación de Seth Brundle, interpretado magistralmente por Jeff Goldblum. A medida que el científico se convierte en un híbrido humano-mosca, los efectos prácticos de Chris Walas mostraron cada etapa de su degradación física y emocional, desde pequeñas mutaciones hasta su aterradora forma final. El maquillaje y las prótesis no solo capturaron lo grotesco, sino que también transmitieron el profundo dolor del personaje, logrando que su monstruosa metamorfosis resultara tanto perturbadora como conmovedora. Estas tres películas no solo redefinieron los estándares del terror, sino que también demostraron cómo los efectos prácticos podían convertirse en una poderosa herramienta narrativa, consolidando a sus criaturas como íconos inmortales de una década legendaria. Editorial use only. No book cover usage. Mandatory Credit: Photo by Jim Henson Productions/Kobal/Shutterstock (5885163b) David Bowie, Jennifer Connelly Labyrinth - 1986 Director: Jim Henson Jim Henson Productions USA Scene Still A bout de nerfs Fantasía y aventuras: la magia de los efectos prácticos Durante esta década, la industria del cine experimentó una revolución en la creación de mundos fantásticos, gracias a la maestría de creadores como Jim Henson, quien no solo transformó la manera en que entendemos las marionetas, sino que introdujo un nivel de realismo y complejidad nunca antes visto. Con Labyrinth (1986), Henson logró crear un universo único y mágico, donde marionetas y criaturas animatrónicas cobraban vida con una fluidez impresionante. Personajes como el amable Ludo y el astuto Hoggle no solo eran creados con una atención al detalle excepcional, sino que sus movimientos y personalidades estaban tan cuidadosamente desarrollados que parecían poseer una existencia propia, lo que otorgó a la película un encanto atemporal. Este enfoque, en el que la animatrónica y la marioneta se fusionaban de manera orgánica, se convirtió en un sello distintivo del cine de Henson, que no solo apuntaba a entretener, sino también a sumergir al espectador en un mundo donde lo fantástico y lo tangible se entrelazaban perfectamente. A la par, The NeverEnding Story (1984), basada en la novela de Michael Ende, ofreció un viaje igualmente impresionante hacia el reino de Fantasía, un lugar donde criaturas como el dragón Fújur y el temible lobo Gmork cobraban vida gracias a una combinación de animatrónica avanzada y maquetas detalladas. Estas criaturas interactuaban de manera tan realista con los actores que no solo daban forma a la narrativa, sino que permitían que el público creyera realmente en ese universo fantástico. La Historia Sin Fin (The Neverending Story, 1984) - captura del tráiler oficial Créditos: Warner Bros Al igual que Labyrinth, esta película también dependió de los efectos prácticos para construir un mundo visualmente impresionante, donde la magia no solo se encontraba en la historia, sino en la propia materialidad de los seres que la habitaban. En un tono similar, The Dark Crystal (1982), otra obra maestra de Henson junto a Frank Oz, mostró hasta dónde podían llegar los efectos prácticos para crear un universo completamente ajeno al nuestro, habitado por criaturas como los Skeksis y los Mystics, todas ellas marionetas meticulosamente diseñadas y articuladas. En esta película, la ausencia de actores humanos y la total dependencia de la marioneta para transmitir emociones y narrar la historia mostró un avance tecnológico y artístico asombroso, logrando una atmósfera tan única que la hace perdurar en la memoria de quienes la ven. Estas tres películas no solo marcaron un hito en el cine de fantasía, sino que también demostraron el poder de los efectos prácticos, desde la marioneta hasta la animatrónica, para construir mundos que siguen siendo tan fascinantes hoy como lo fueron en su estreno. ET looking out window with Henry Thomas in a scene from the film 'E.T. The Extra-Terrestrial', 1982. (Photo by Universal/Getty Images) Ciencia ficción: entre la maravilla, el espacio y el temor Los efectos prácticos en el cine alcanzaron una madurez y sofisticación que marcaron la diferencia entre lo meramente espectacular y lo profundamente inolvidable. En este periodo, figuras como Stan Winston, Carlo Rambaldi y los equipos de diseño de películas como Aliens (1986), E.T. the Extra-Terrestrial (1982) y RoboCop (1987) crearon algunas de las criaturas más icónicas de la historia del cine, cada una aportando una carga emocional única que trascendió la simple visualidad para convertirse en parte fundamental de la narrativa. En Aliens, dirigida por James Cameron, la Reina Alien se presentó como una de las creaciones más impresionantes de la época. Diseñada por Stan Winston, la criatura no solo fue una maravilla técnica por su mezcla de animatrónica y sistemas hidráulicos, sino que representó una auténtica amenaza palpable en pantalla. Su tamaño colosal y sus movimientos fluidos creaban una sensación de desmesura que aterrorizaba tanto a los personajes como al público. Lo impresionante no solo era el diseño visual de la Reina, sino su interacción directa con los actores, lo que permitía una tensión palpable en cada escena. Esta criatura, que parecía respirar, moverse y pensar por sí misma, se convirtió en una de las representaciones más aterradoras y realistas del cine de ciencia ficción y horror, consolidando a Winston como uno de los más grandes diseñadores de criaturas en la historia del cine. En una dirección completamente distinta, pero igualmente memorable, E.T. the Extra-Terrestrial de Steven Spielberg presentó a un extraterrestre cuya ternura y humanidad se lograron gracias al trabajo del maestro Carlo Rambaldi. E.T., diseñado como una marioneta con una sorprendente capacidad para expresar emociones a través de gestos faciales y movimientos delicados, logró conectar con el público de una manera que pocos personajes ficticios habían logrado hasta ese momento. La complejidad de su diseño, que permitía que E.T. mostrara tristeza, alegría y desesperación con una mirada, convirtió al personaje en un ícono universal. Aunque su apariencia era completamente ajena a cualquier forma humana, su capacidad para comunicar sentimientos profundos hizo que fuera imposible no identificarse con él, dejando una marca indeleble en la historia del cine. Por otro lado, RoboCop, dirigida por Paul Verhoeven, nos ofreció una visión distópica del futuro a través del trágico personaje de Alex Murphy, un policía convertido en cyborg. El diseño de RoboCop, supervisado por Ed Neumeier y Phil Tippett, fusionó prótesis y maquillaje para crear una figura de apariencia humana atrapada dentro de una máquina de guerra. La brutalidad de este proceso de transformación, sumado a la deshumanización que sufría Murphy, se reflejaba no solo en su imponente aspecto metálico, sino también en sus gestos y movimientos. RoboCop RoboCop no solo era una figura intimidante, sino también un símbolo del conflicto entre la humanidad y la tecnología, un tema que resonó profundamente en el cine de los ochenta y que sigue siendo relevante hoy. La mezcla de maquillaje, prótesis y efectos especiales proporcionó una sensación de lo grotesco y lo trágico en igual medida, mostrando cómo una creación visual puede expresar conceptos tan complejos como la pérdida de la identidad y la lucha interna. Estas tres películas no solo marcaron tendencias en el uso de efectos prácticos, sino que también contribuyeron a moldear la narrativa cinematográfica de la época, mostrando cómo los monstruos, las criaturas y los personajes artificiales pueden ir más allá de la mera estética y convertirse en portadores de emociones universales. Cada uno de estos trabajos no solo son un testamento a la destreza técnica de sus creadores, sino también a la capacidad de las criaturas y los efectos para enriquecer y profundizar la experiencia cinematográfica. Mad Max: Fury Road Un legado que desafía el tiempo Aunque el CGI domina el cine moderno, los efectos prácticos de los ochenta mantienen su lugar especial en la historia del séptimo arte. La combinación de técnicas prácticas y digitales en películas recientes como Mad Max: Fury Road y Star Wars: The Force Awakens demuestra que lo tangible sigue siendo vital para transmitir realismo y emoción. El trabajo artesanal de artistas como Winston, Baker y Bottin no solo asombró a una generación, sino que también inspiró a nuevos cineastas a preservar la magia de lo real. Hoy, los monstruos y criaturas de los ochenta permanecen como testigos de una era en la que el cine era una verdadera alquimia de creatividad y dedicación.
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